POLEMICINE

SILUETAS III

2012-03-01T15:05:00.001+01:00

Pregunta extra:

¿Cual de las siguientes películas sobra (no debería compartir panel con las otras 29) y por qué?

SOLUCIONES. Estos son los enlaces a cada película:

MARCADOR. Y Aquí tenéis quien acertó cada película el primero:

Y la respuesta a la pregunta: Sobra B2 porque es la única de las 30 que no ha ganado el oscar a la mejor película.

SILUETAS II

2012-02-23T11:13:00.001+01:00

SOLUCIONES. Estos son los enlaces a cada película en FilmAffinity:

MARCADOR. Y Aquí tenéis quien acertó cada película el primero:

FOTOGRAMA MISTERIOSO 011

2012-02-20T23:22:00.002+01:00

10 PREGUNTAS ENCADENADAS

2012-02-20T15:58:00.000+01:00

Se trata de contestar a la última pregunta, la número 10. (En este caso adivinar de que país se trata).

Para ello, antes hay otras 9 preguntas encadenadas, que aunque no necesariamente tienen que responderse todas para lograr este objetivo, van suministrando pistas, que ayudan bastante.

He aquí las 10 preguntas:

[1] El autor de la banda sonora de una de las películas candidatas al Oscar de este año 2012 trabaja habitualmente como compositor para el director de la misma en casi todas sus películas.

¿Como se llama dicho músico?

[2] Décadas antes, también compuso la música de una película en la que el padre del personaje protagonista había sido también padrino.

¿Qué película?

[3] Posteriormente, el protagonista de dicha película participó como actor secundario en otra, cuya protagonista se había hecho famosa unos años antes por tener un gran “calor corporal”.

¿En qué película trabajaron juntos?

[4] El argumento de dicha película ya había sido llevado varias veces al cine. La versión inmediatamente anterior de dicha historia había sido protagonizada por dos actores que trabajaron juntos en bastantes ocasiones, la penúltima de ellas a las órdenes de Oliver Stone. ¿Qué actores eran?

[5] Dicho par de actores trabajaron juntos y a las órdenes del director de la película que se menciona en [4] (y que luego sería nuevamente adaptada en [3]) en otras tres ocasiones.

¿De qué director se trata?

[6] Dicho director ganó su primer oscar un 7 de marzo.
¿De qué año?

[7] Ese mimo año se estrenó una conocida película de cine negro protagonizada por un matrimonio de actores muy famosos; no era la primera vez que trabajaban juntos (era la segunda) ni sería la última. Esta película, pese a ser de intriga, tenía un título que sugería que era larga y aburrida.

¿Cual?

[8] El director de la película de la pregunta anterior también había llevado al cine, 6 años antes, la historia de las películas de las preguntas [3] y [4].

¿Cúal fue el actor protagonista en esta ocasión?

[9] Sin embargo, ésta era la segunda adaptación, pues antes la había llevado a la pantalla un director de orgen Moldavo y de nombre Lev.

¿Que director?

[10] El año anterior, dicho director ganó el oscar por la adaptación cinematográfica de una conocida novela antibelicista.

¿De que nacionalidad era el autor de la novela?

SILUETAS

2012-02-16T22:51:00.002+01:00

     Como Pulga me ha concedido el anillo de poder, con los fotogramas misteriosos sois más rápidos que Forrest Gump en los San Fermines, y recauchutando una idea de Cyllan ya usada para Ghibli en su blog, os propongo una variación sobre el juego (que quizás algunos ya conozcáis, en ese caso, pues nada, a otra cosa):

              Se trata de adivinar películas a partir de una silueta.

     Para ver como funciona la cosa, he incluido la mayoría de ellas facilitas, y sólo algunas un poco más complicadas.

SOLUCIONES. Estos son los enlaces a cada película en FilmAffinity:

MARCADOR. Y Aquí tenéis quien acertó cada película el primero:

FOTOGRAMA MISTERIOSO 010

2012-02-14T22:00:00.002+01:00

Enviado por Seldon.

FOTOGRAMA MISTERIOSO 009

2012-02-02T23:58:00.001+01:00

Enviado por Seldon

6 CLASICOS QUE HAY QUE VER ANTES DE MORIR

2012-01-23T12:57:00.000+01:00

Algunos miembros del grupo Polemicine Facebook hemos tenido a bien exponer cuales son a nuestro entender las 6 mejores películas desde los inicios del cine hasta el año 1969, periodo que hemos considerado clásico. No son todas las que están, evidentemente hemos dejado en el tintero muchísimas más que nos encantan. Pero había que elegir 6 y éstas son verdaderamente las más imprescindibles para cada uno de nosotros.

Dos conclusiones rápidas y señalables:La primera y sorprendente es que sólo 2 de los 9 hemos elegido alguna película de nacionalidad distinta a la estadounidense, Wendalf y Cyllan. Esto da una idea clarísima del peso que tiene ese cine en la historia mundial. Recuerden, 7 de los 9 sólo mencionan cine de EEUU como más imprescindible.

La segunda es que las décadas 40 y 50 arrasan al resto de las otras cuatro décadas incluídas, con 17 en los 40 y 22 en los 50, por sólo 9 en los 30 y 6 en los 60, no teniendo nada las décadas iniciales del cine.

Respecto a conclusiones de cuales son las mejores de las mejores ya se verá eso en sucesivas entradas.

Las dejo, abierto el espacio para todo tipo de comentarios, por orden alfabético de participantes.

AL GONZÁLEZ (MANDERLY)

Lo que el viento se llevó (1939)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
REPARTO     Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil

Rebeca (1940)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson

La mujer del cuadro (1944)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     Fritz Lang
REPARTO     Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea

Eva al desnudo (1950)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Joseph L. Mankiewicz
REPARTO     Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill

Cantando bajo la lluvia (1952)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Stanley Donen, Gene Kelly
REPARTO     Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell

Con faldas y a lo loco (1959)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Billy Wilder
REPARTO Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff

ALFREDO (SELDON)

La mujer del cuadro (1944)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     Fritz Lang
REPARTO     Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea

Qué bello es vivir (1946)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Frank Capra
REPARTO     James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi

Eva al desnudo (1950)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Joseph L. Mankiewicz
REPARTO     Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill

La ventana indiscreta (1954)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter, Raymond Burr, Judith Evelyn, Wendell Corey

Centauros del desierto (1956)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     John Ford
REPARTO     John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles, John Qualen, Olive Carey

Testigo de cargo (1957)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Billy Wilder
REPARTO     Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton, Elsa Lanchester, John Williams

BEPE CHELAN

La fiera de mi niña (1938)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Howard Hawks
REPARTO     Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, May Robson, Walter Catlett

I walked with a zombie (1943)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Jacques Tourneur
REPARTO     James Ellison, Frances Dee, Tom Conway, Edith Barrett, Christine Gordon, James Bell

El sueño eterno (1946)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Howard Hawks
REPARTO     Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely, Martha Vickers, Dorothy Malone, Regis Toomey

La jungla de asfalto (1950)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     John Huston
REPARTO     Sterling Hayden, Louis Calhern, Marilyn Monroe, Jean Hagen, James Whitmore, Sam Jaffe

Senderos de gloria (1957)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Stanley Kubrick
REPARTO     Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George MacReady, Wayne Morris, Richard Anderson, Joseph Turkel

Con la muerte en los talones (1959)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     Cary Grant, Eva Marie Saint, James Mason, Martin Landau, Leo G. Carroll, Josephine Hutchinson

CYLLAN

M, el vampiro de Dusseldorf (1931)
PAÍS [Alemania]
DIRECTOR     Fritz Lang
REPARTO     Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustav Gründgens, Theo Lingen, Theodor Loos, Georg John

El gran dictador (1940)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Charles Chaplin
REPARTO     Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell

La mujer del cuadro (1944)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     Fritz Lang
REPARTO     Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea

Ladrón de bicicletas (1948)
PAÍS     [Italia]
DIRECTOR     Vittorio De Sica
REPARTO     Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Giulio Chiari, Vittorio Antonucci

Psicosis (1960)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock

La muerte tenía un precio (1965)
PAÍS     [Italia]
DIRECTOR     Sergio Leone
REPARTO     Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian María Volonté, Luigi Pistilli, Mara Krup

JESÚS (BEN-HUR)

Lo que el viento se llevó (1939)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
REPARTO     Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes, Mickey Jun

Qué bello es vivir (1946)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Frank Capra
REPARTO     James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi

Un tranvía llamado deseo (1951)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Elia Kazan
REPARTO     Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias

Al este del edén (1955)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     Elia Kazan
REPARTO     James Dean, Raymond Massey, Julie Harris, Dick Davalos, Jo van Fleet, Burl Ives

Los diez mandamientos (1956)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Cecil B. DeMille
REPARTO     Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne De Carlo, Debra Paget, John Derek, Cedric Hardwicke

Ben-Hur (1959)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     William Wyler
REPARTO     Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell

MARÍA PATATA FRÍA (MASHA)

Lo que el viento se llevó (1939)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
REPARTO     Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes, Mickey Jun

Casablanca (1942)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Michael Curtiz
REPARTO     Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre

Arsénico por compasión (1944)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Frank Capra
REPARTO     Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson

La reina de África (1951)
PAÍS     [Estados Unidos]
DIRECTOR     John Huston
REPARTO     Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley, Peter Bull

El hombre tranquilo (1952)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     John Ford
REPARTO     John Wayne, Maureen O'Hara, Barry Fitzgerald, Ward Bond, Victor McLaglen, Jack MacGowran

El puente sobre el río Kwai (1957)
PAÍS [Reino Unido]
DIRECTOR     David Lean
REPARTO     William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, James Donald, Sessue Hayakawa, André Morell, Geoffrey Horne

NATALIA (TACHU)

Lo que el viento se llevó (1939)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
REPARTO     Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes, Mickey Jun

Rebeca (1940)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson

Arsénico por compasión (1944)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Frank Capra
REPARTO     Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson

La heredera (1949)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     William Wyler
REPARTO     Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson, Miriam Hopkins, Vanessa Brown, Mona Freeman

Con faldas y a lo loco (1959)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Stanley Donen, Gene Kelly
REPARTO     Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell

Espartaco (1960)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Stanley Kubrick
REPARTO     Kirk Douglas, Tony Curtis, Laurence Olivier, Peter Ustinov, Charles Laughton, Jean Simmons, John Gavin, Nina Foch, Herbert Lom

PULGACROFT

Jezabel (1938)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     William Wyler
REPARTO     Bette Davis, Henry Fonda, George Brent, Margaret Lindsay, Donald Crisp, Fay Bainter, Richard Cromwell

Lo que el viento se llevó (1939)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
REPARTO     Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes, Mickey Jun

Rebeca (1940)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Alfred Hitchcock
REPARTO     Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson

La gata sobre el tejado de zinc (1958)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Richard Brooks
REPARTO     Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, Madeleine Sherwood

Ben-Hur (1959)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     William Wyler
REPARTO     Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell

My fair lady (1964)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     George Cukor
REPARTO     Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Gladys Cooper, Jeremy Brett

WENDALF (HOLOTURIA)

M, el vampiro de Dusseldorf (1931)
PAÍS [Alemania]
DIRECTOR     Fritz Lang
REPARTO     Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustav Gründgens, Theo Lingen, Theodor Loos, Georg John

Gilda (1946)
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR     Charles Vidor
REPARTO     Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer

Los siete samuráis (1954)
PAÍS [Japón]
DIRECTOR     Akira Kurosawa
REPARTO     Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Yoshiro Inaba, Seiji Miyaguchi, Minoru Chiaki, Daisuke Kato, Ko Kumura

El séptimo sello (1957)
PAÍS [Suecia]
DIRECTOR     Ingmar Bergman
REPARTO     Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson, Bengt Ekerot, Gunnel Lindblom

Dos mujeres (1960)
PAÍS [Italia]
DIRECTOR     Vittorio De Sica
REPARTO     Sophia Loren, Jean Paul Belmondo, Raf Vallone, Eleanora Brown

Harakiri (Seppuku) (1962)
PAÍS [Japón]
DIRECTOR     Masaki Kobayashi
REPARTO     Tatsuya Nakadai, Rentaro Mikuni, Shima Iwashita, Akira Ishihama, Yoshio Inaba, Jo Azumi, Yoshio Aoki, Akiji Kobayashi

FOTOGRAMA MISTERIOSO 008

2012-01-17T22:38:00.000+01:00

Enviado por Seldon.

Fotograma misterioso 007

2012-01-17T10:28:00.001+01:00

Este es cortesía del bueno de SELDON.

LA MALA EDUCACIÓN de Pedro Almodóvar

2011-12-17T11:39:00.000+01:00

Una vez más he quedadomaravillada por el cine de Almodóvar. He vuelto a ver esta película y la hevuelto a disfrutar como el primer día, es más le tenía puesto un 7 (de buena)enel Filmaffinity y le se subido 2 puntos a un 9 (de muy buena).

Una vez más Pedro Almodóvarse nos presenta como un director grande, muy grande. Como un gran contador dehistorias y lo que es más de historias dentro de otras historias, mezclándose,anundándose como una madeja de hilos quepara deshacerla no hay que cortar si no atar cabos, y eso Almódovar lo hace muybien en “La mala educación”.

“La mala educación” es unlaberinto (bien podría ser “laberinto de pasiones” por jugar con otro de sustítulos) pero voy a decir un laberinto pasional: por un lado Enrique (FeleMartínez) siente pasión por el cine, de hecho es director de cine en lapelícula, pasión por su amigo de la infancia Ignacio (Fran Boira). Por suparte, Ignacio siente pasión por su cuerpo, por mejorar su cuerpo, lo que lelleva al chantaje ; y pasión por la escritura. A Juan (Gael García Bernal),hermano de Ignacio siente pasión por su madre y también le apasiona la idea deconvertirse en actor, así, hará todo lo posible por conseguirlo. Y por últimoal padre Manolo (Daniel Giménez Cacho y LLuis Homar) le apasionan losjovencitos y más concretamente Ignacio durante su estancia en el colegio dondeera director y luego su hermano Juan.

Diría que Almodóvar juegacon el espectador en “La mala educación” y desde el mismo título podemos pensarque la película va a ser un film sólo dramático que girará en torno a losabusos sexuales recibidos por unos niños en un colegio de curas allá por los60…a medida que la película transcurre ésta se convierte en una película desuspense, de cine negro donde nada o por lo menos casi nada es lo que o quienparece ser. Es más, ahora al revisonar la película, diría que Pedro Almódovardeja en un muy segundo plano los abusos sexuales llevados a cabo por un cura auno de sus alumnos y que esto es casi (y digo casi) una mera excusa para eldesarrollo de la trama. La película no se queda en una mera crítica a lapederastia de la Iglesia , la película trata del poder que el sexo tiene en elmundo (siempre he sido de la opinión de que la frase “money makes the world goround” debería cambiarse por “Sex makes the world go round”.

Por un lado es el propioIgnacio el que reconoce en su relato que “haría lo que fuera si no echaba a suamigo enrique del colegio” y que fue en ese momento cuando empezó a venderse. Juan,que no creo que fuera homosexual, accede a acostarse con Enrique a cambio deobtener el papel de Zahara en la película y anteriormente con el padre Manolo(esta vez ya como Manuel Berenguer) para obtener el dinero, regalos y la ayudaen el asesinato de su hermano.

El sexo como moneda decambio…¿os suena?.

El deseo también está muypatente en la película, la escena de la piscina me ha parecido más sexual sin “enseñarnada” que en las que había más sexo “explícito”.

Me ha encantado en lapelícula, la matrioska que almodóvar se monta con la historia: Una historiaflashback que sería el relato “La visita” que Ignacio/Juan le presenta alprincipio. Mezcla de realidad y ficción. La relación entre Enrique e Ignacio/Juan donde lee el relato, y va descubriendo poco a pocola verdadera identidad de su amigo. Y por último el presente en el que Enriquese encuentra con Manuel Berenguer que le contará la verdad de la historia, unahistoria oscura de chantaje que engloba a las otras dos.

3 tiempos narrativos dondese mezclan drama, humor y cine negro. Otra de las escenas que me encantaron dela película es la de Javier Cámara (¡qué bueno!) en la iglesia, ese particularmonólogo del personaje siguiendo la misa me ha parecido genial. El guiño a unode sus iconos: Sara Montiel, tanto en el cartel y la película que los niños venen el cine “Esa mujer” como la genial imitación que hace de ella un transexual.

En "La mala educación” vemosparte del ambiente de los 80 y la movidaque tanto le gusta a Pedro. He leídomuchas críticas malas sobre sus películas diciendo que siempre retrata lo mismoy la verdad es que no entiendo tales críticas. Almodóvar retrata una parte dela sociedad que guste o no existe y está ahí (tampoco lo veo tan sórdido laverdad, en cuanto sale un transexual ya se le etiqueta en la sordidez…) y parami gusto lo hace de una forma tan personal que es imposible que , por lo menos,deje indiferente.

Por último pero no por ellomenos importante quiero destacar la genial partitura de Alberto Iglesias, una música que como un personaje más dela película nos marca el drama y el suspense. Una música que ya desde lostítulos de crédito (que me han gustado muchísimo) nos pone en situación de cinenegro. El complemento perfecto a toda la trama.

Resumiendo, creo que “La malaeducación” es una película infravaloradísima de Almodóvar, injustamente tratadapor crítica y público. Y yo hoy al verla de nuevo, me he dado cuenta de que deobra menor nada, que es una peazo película como la copa de un pino.

Mi 9 en filmaffinity.

-Pulgacroft-

FOTOGRAMA MISTERIOSO 006

2011-12-08T20:15:00.001+01:00

Fotograma Misterioso 005

2011-12-02T21:24:00.001+01:00

RÉQUIEM POR UN SUEÑO de Darren Aronofsky

2011-10-12T15:43:00.011+02:00

Hay personas inestables que viven en el fino alambre de una existencia imposible, en un desequilibrio constante. Gente como Harry (Jared Leto), Tyrone (Marlon Wayans) o Marion (Jennifer Connelly).

Y cuando uno se sustenta en tan escasa superficie, la gravedad hace su trabajo, y lo más normal es que el peso del mundo acabe por hacernos caer. Corre, no pares, no puedes parar… no hay tiempo para pensar, y la sensación de que sólo se puede seguir avanzando, caminando por el alambre, difumina el hecho de que el camino es mucho más simple fuera de él…

Es fácil comprender hasta que punto debe ser relajante encontrar un remanso de paz en el puzzle mental en que esas personas construyen su proyecto vital. Y que es muy sencillo desaparecer por unos momentos a través de las drogas.

Pero también es cierto que las salidas fáciles no suelen ser las mejores. Y que ese desaparecer hace que uno se olvide de los verdaderos objetivos, de focalizar lo que se quiere conseguir.

Al final esa paz momentánea se convierte en la cadena que les ata sin remedio a la caída a la que están predestinados...

Ahora bien, ¿cómo llega uno a ese punto?

Los hay perdedores y desafortunados, que casi desde el principio han carecido de los mimbres necesarios para construir algo firme, quizás como Tyrone. Otros como Harry o Marion, con más oportunidades, nunca han valorado todo lo bueno que tenían a su alrededor, y no han sido capaces de crearse una escala de valores cimentada en el esfuerzo, por lo que no han aprendido a esforzarse para tener éxito en sus proyectos.

Pero también los hay que han peleado toda su vida aferrándose a algo que constituía su principal sueño. Y que, al desaparecer ese pilar fundamental, ven como todas las estructuras que sustentaban su existencia se vienen abajo con estrépito.

Son personas como Sara (Ellen Burstyn), la madre de Harry, que habiendo enfocado toda su vida a la felicidad de su marido y su hijo, es incapaz de superar la soledad provocada por la muerte del primero y la ausencia continuada del segundo. Sara ahora apenas tiene amigas y apenas tiene un hijo que le roba con frecuencia para pagarse sus vicios, así que suple esa carencia abrazada a su televisor como si fuera de carne y hueso.

El día que Sara cree que esa nueva presencia le ha dado una oportunidad, el desequilibrio de su tristeza se manifiesta con toda su gravedad. Y ella inicia un camino desquiciado en busca de un nuevo sueño que, en realidad, nunca tuvo un sostén real, pero en el que no pudo evitar poner toda su fe al no disponer de otros estímulos.

La historia que se nos narra en esta película es una historia triste, de autodestrucción, centrada en unos personajes que se encuentran muy al límite y que podemos considerar lejanos. Resulta complicado sentirse identificado con Harry y Tyrone cuando se empeñan en intentar enriquecerse vendiendo droga, o con Marion cuando llega al límite de la prostitución.

Pero también es difícil no sentir al menos cierta empatía por Sara, tal vez porque su desequilibrio es producto de un error desinteresado, altruista. Y porque al final el miedo a la soledad es probablemente tan universal como el miedo a la muerte, y quizás incluso tenga el mismo sentido.

Y al final, con ese contraste entre los jóvenes desubicados y la casi anciana que se perdió al andar sola, Aronofsky consigue que nos llegue el mensaje de cautela ante la pérdida del equilibrio, universalizándolo y evitando demonizar a la juventud como se suele hacer sistemáticamente.

Creo que es ahí donde reside verdaderamente la clave de la película, en ese punto en el que lo que es o no una adicción se diluye un poco. Y podemos entresacar una conclusión más general sobre los motivos que nos llevan a caer en ellas o lo que hace que nos perdamos por el camino, perdiendo aquello que nos mantiene equilibrados y dejando de tener el control de nuestra vida.

En cuanto a las cuestiones más puramente cinematográficas, es inevitable mencionar el trabajo de Ellen Burstyn, que fue nominada al Óscar por esta película, y que realmente transmite perfectamente la soledad y angustia de Sara. El resto de actores están también muy bien, aunque Jared Leto no me convence cuando ha de endurecer sus gestos y, por su fisonomía, no termino de creerme a la Connelly haciendo un papel tan sucio.

La dirección de Aronofsky se deja notar en los planos cortos y los cortes constantes, que asfixian un poco. Lo cierto es que normalmente conjugan bien con la presión que quiere someter al espectador, aunque en ocasiones cansan y pueden parecer recursos de video musical (esos chutes tan visuales y repetitivos), y que se acompañan muy acertadamente por una fotografía muy cruda que aporta bastante realismo a la trama.

Aronofsky participó además en la escritura del guión, basado en una novela homónima que no he leído, por lo que prefiero no opinar mucho sobre él, aunque creo que sostiene el ritmo de la película adecuadamente.

Por último, destacar la música de Clint Mansell, que convirtió en mundialmente famosa la composición Lux Aeterna. Un fragmento de la misma se repite constantemente a lo largo de la película, en los momentos de más tensión, y creo que funciona especialmente bien enfatizando esas escenas.

Personalmente, confieso que es una película que me aburre ligeramente, pues no terminan de atraerme este tipo de personajes y situaciones. Me parece una película sólida y bien defendida, pero simplemente no me llega. Así que si tuviera que valorarla seguramente la dejaría en un muy respetable 7,5 sobre 10.

Fotograma misterioso 004

2011-09-14T19:54:00.000+02:00

FOTOGRAMA MISTERIOSO 003

2011-09-05T13:02:00.005+02:00

Os dejo un nuevo Fotograma Misterioso, mientras nos vamos reincorporando.
Vamos esta vez con un clásico...

Si hoy no lo adivina nadie, mañana daré una pista.
-Pulgacroft-

Pista 1: La película es americana.

Bueno pues en Facebook ya lo han adivinado. Lo dejo todavía aquí hasta que deis una respuesta por si no la habéis visto en el Face...

Fotograma Misterioso 002

2011-09-02T12:05:00.000+02:00

Buenas de nuevo. Esperamos que las vacaciones hayan sido lo más satisfactorias posibles para todos, y que no os hayáis olvidado de pasar por aquí.

Vamos a comenzar el curso siguiendo con nuestro pequeño juego de acertijos cinematográficos, como esos niños que cuando empiezan el colegio sólo se dedican a dibujar y jugar con plastilina. Pero pronto colgaremos la próxima encuesta para decidir cual será la siguiente película a discutir y continuaremos con la rutina habitual.

Y esta es la nueva propuesta.

Me temo que la pista no es sencilla, y que no será fácil dar con la película. Pero confieso que con esta no puedo resistirme...

A ver quién lo adivina...

BLADE RUNNER de Ridley Scott

2011-08-01T14:38:00.000+02:00

1982 - 2019

Blade Runner supuso un hito para toda una generación de cinéfilos. No existe ejemplo más extraño que el film de Ridley Scott, sobre todo teniendo en cuenta la larga carrera que ha tenido que hacer frente para coronarse como título de culto. Su estreno en el verano de 1982 estuvo eclipsado por el rey Midas y su E.T. el extraterrestre, otra cinta de culto que aguantó el tirón hasta la gala de los Oscar de meses después. La fama de Blade Runner creció con los videoclubs, algo que facilitó un mejor recibimiento de la cinta en el resto del mundo. Tantas vicisitudes parten de Alien (1979), película en ese momento reciente: los críticos pensaban en Scott como hombre de acción y Blade Runner, para su sorpresa, supuso una película mas pausada de lo habitual, más negra, más reflexiva, más europea quizás. Sus incontables versiones, intentos por reeditarla en dvd y las proyecciones públicas y privadas que se han realizado (algunas muy sonadas: véase la del Festival de Sitges) han ayudado a manetener viva la fama y rumorología de la película, casi toda relacionada con símbolos como el unicornio de origami o la paloma final. Existen pocas películas de las que se hayan celebrado sus diez, quince, veinte y recientemente veinticinco años de vida; como resultado, sus diversos cofres en dvd son una de las piezas de coleccionista más vendidas. Y como le ocurrió a Kubrick con 2001: Odisea en el espacio, la realidad supera a la ficción y el 2019 futurista y aletargado de Blade Runner ya es algo próximo: la confirmación de que los palos, debates y sutilezas de la película van más allá del género fantastique.

Contra los Nexus 6

Blade Runner es una de las películas más influenciadas por el mundo de la robótica, la genética y las innovaciones informáticas que ya empezaban a dar sus frutos a mitad de los 80. Superado el tétrico 1984 de Orwell, el enigma pasaba a ser otro: el límite y la relación entre ciencia y moral, avance y ética. Star Wars, que con el tiempo ha inspirado a todo un colectivo de fans, se desgajaba de lo terrenal al proponer una historia espacial que, a su manera, recuperaba las formas de una tragedia antigua: el hijo despegado del padre, la eterna lucha entre el bien y el mal. En Blade Runner no hay esperanza y la única vida se mueve en oscuros tanques, improvisados laboratorios. La gente vive errática en una ciudad oscura, un Gotham soñoliento. El colectivo no parece trabajar, incluso el propio protagonista es un reserva, un guardia semiretirado. La corrupción nace de lo humano y se mantiene entre tiendas de fideos y clubes nocturnos. Los robots, como seres creados por los hombres, heredan estas mismas taras: la lucha de Pris y Roy no pasa por conseguir su liberación, sino por fustigar a sus inventores, los culpables de su infelicidad (aunque JF Sebastian, uno de sus instigadores, vive en el ostracismo y muere sin los honores que merece a manos de su propia criatura). La especie está rota y los androides son capaces de almacenar recuerdos y tener sentimientos aunque, como ocurre en el caso de Rachael, saber que todo es falso es un motivo más para eternizar la tristeza del hombre moderno. ¿Qué fines deben cubrir los futuros robots? ¿dónde establecer el límite para evitar una guerra entre humanos y humanoides, todos en el fondo iguales? La prueba por determinar si un ser es o no un replicante consiste en someterle a una entrevista y analizar los movimientos de su pupila, pero ya nadie ni nada parece tener la humanidad propia de la especie. '¿No habéis apresado por error a un humano creyendo que era un robot?', pregunta Rachael. Todo va mal, todo se desploma. Los Nexus 6, más fuertes e inteligentes que sus creadores, no son el verdadero enemigo a batir, pero la sociedad del futuro encuentra en ellos un chivo expiatorio, los seres a los que culpar de todos los males. Deckard acaba la película con la lección aprendida: el amor verdadero puede estar entre un humano y un androide... porque, si todo es falso, él mismo puede ser un androide. Ya no distinguimos la realidad de la ficción. Todo inspira pesimismo. Sólo queda huir.

El ojo que todo lo ve

Blade Runner esconde una crítica a los órganos de poder, a las máximas instituciones que dominan todo el tejido social. Los paneles publicitarios de Coca-Cola, TDK o Budweiser demuestran que el mundo está dominado por otros, una élite inalcanzable de la que forma parte la poderosa Tyrell Corporation. 'No choice', recibe por respuesta Deckard: debe buscar a los androides quiera o no; es una imposición revestida de falsa oferta. La policía siempre está presente entre las callejuelas de la ciudad y sus coches patrulla sobrevuelan la urbe. La sociedad no tiene voz, los edificios están derruídos y los únicos que acompañan a JF Sebastian son sus monstruítos de cartón y chips. Deckard no interactúa con nadie, salvo, claro está, con los dispositivos de su piso y coche. Vivimos en un todo artificial y la vida ha dejado de ser vida. Como ya nada es auténtico, Deckard no es un héroe épico: le cuesta andar, está mayor y no tiene la fuerza de antaño. Él no acepta la aventura porque la aventura llega a él sin querer y sin aviso: en el fondo, Deckard detesta su trabajo. Su cuerpo sigue conservando la belleza de antaño y con ella consigue enamorar a Rachael, pero en ningún caso es Han Solo o Indiana Jones (incluso Harrison Ford parece desmitificar su icono con el personaje). ¿Quién domina a quién? ¿Qué entendemos por humano? ¿Quiénes están detrás del ojo que todo lo ve? Dilemas kafkianos, como el imaginario de la posterior Brazil (Terry Gilliam, 1985).

Luces y sombras

El humano organiza su rutina en función de la luz, nuestro mecanismo interno vive gracias a la alternancia de día y noche. Esto no ocurre en Blade Runner: aunque desde el despacho se ve un sol de atardecer, el día no funciona por variaciones de luz y el único ambiente es una oscuridad sempiterna mezclada con una lluvia contínua. La desconexión del humano con la naturaleza explica el interés de éste por lo artificial: como resultado, las únicas luces son carteles de neón, bombillas de colores y las sombras alargadas de los coches. Pocas veces una película presenta tanta complejidad a nivel de iluminación y fotografía: el ambiente húmedo, el cielo invisible y el trabajo por crear un mundo ficticio partiendo de escenarios reales hacen pensar en un rodaje árduo. Como contraposición a tanta tiniebla, el replicante Roy es de tez blanca, un albino que, en su monólogo final, parece un diós, un mártir. Los androides llevan a Deckard hacia la luz: Rachael lo salva en un forcejeo callejero y Roy evita que Deckard caiga desde un edificio alto. Lo animal también se relaciona con los robots: Pris es un mapache, Roy es una paloma y Rachael es un buho. En todo caso, representan algo vivo que parece no existir entre los verdaderos mortales. Luces y sombras, en definitiva, físicas, pero también impalpables.

Dudas existenciales

¿Quiénes somos, de dónde venimos, hacia dónde vamos? Eternas cuestiones que competen a todos. Los humanoides sólo tienen cuatro años de vida: saben su final y, cuando la fecha límite se acerca, la amargura es máxima. Deckard también está perdido. Blade Runner, pues, entronca con un debate filosófico universal, una característica que la ha convertido en un título atemporal. Las mismas dudas que atesora la película continúan siendo vigentes hoy en día, aunque las cintas que las desarrollan nunca han logrado la frescura de Blade Runner (a cambio, se han nutrido a base de homenajear y copiar detalles de Scott): Minority Report, Yo Robot y títulos manga como Metrópolis o Ghost in the Shell (paralelamente, Blade Runner bebió de Dune, Star Wars y 2001: Odisea en el espacio). También hay dudas sobre los símbolos de la película: ¿qué significa el dichoso unicornio?, ¿por qué los guardias informan a Deckard de que debe matar a cuatro replicantes si sólo quedan tres con vida? Es una película de preguntas, no de acción: la verdadera aventura es la que narran los títulos de crédito del inicio; el resto, la supuesta trama tras la tormenta. El verdadero enigma está en qué ocurrió antes... en resumen, lo que insinua Roy con sus últimas palabras: He visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir...

La excepción, el milagro

Sorprende que un título tan contemplativo (incluso se la podría acusar por su tono lento) llegase a conquistar la categoría de obra maestra. Blade Runner parece la excepción de su género. También la excepción del propio Scott porque, si olvidamos Alien, su filmografía no parece coleccionar nada memorable (con Gladiator conquistó el Oscar a la mejor cinta, pero la película distaba mucho de ser una obra importante). Ford, un actor inexpresivo, tampoco ha gozado de demasiada gloria: de hecho, en los 90 combinó papeles de sex-symbol con otros más malos, nada claro, tampoco convincente. Los excelentes resultados de Blade Runner parecen fruto de la casualidad y algunos no olvidarán que, entre tanta trascendencia, hay algo absurdo en Blade Runner, la estética de una Sin City o viñeta que no llega a cuajar ni a desvelar sus verdaderas intenciones o cartas. Blade Runner es un título contradictorio, pero poseedor de una magia inquietante, una especie de imán que nos atrae y repele. Gana con el tiempo y parece no envejecer: Blade Runner sigue de actualidad... algo de lo que pocos pueden presumir. La mejor película de Ridley Scott es la cinta menos 'scottiana' de toda su filmografía. Un hallazgo. Un milagro.

-Xavier Vidal-, Cinoscar & Rarities

Fotograma misterioso 001

2011-07-13T08:50:00.000+02:00

Origen, de Christopher Nolan

2011-07-09T12:59:00.002+02:00

"Los sueños nos parecen reales mientras los tenemos,

sólo cuando nos despertamos nos damos cuenta de que algo no cuadra".

ORIGEN

La primera vez que me acerqué a escribir sobre Origen fue en WS y dejé esto:

"La madre de todas las películas fantásticas. No tengo ni palabras. ¿Vivimos un sueño o controlamos lo que soñamos? La eterna parábola de Segismundo puesta al día como sólo lo podía hacer alguien con los antecedentes de Nolan. Salgan de sus madrigueras y vean cine-magia con mayúsculas. Vayan, vayan. Es un diez. ¿Para qué voy a decir más?"

Parco ¿verdad? Pues es lo que me salió, no quería privar a nadie de la maravilla de sorpresa que es esta película. Lo mejor es llegar virgen. Mas aquí, en Polemicine, ya es otra cosa porque se presupone que quien lee esto ya la conoce, además está ahí al lado el aviso de spoilers.

Quiero dejar clara otra cosa desde el principio: Origen tiene la magia del cine en grandes cantidades, me refiero sobre todo a ese tipo de magia que nos tranquiliza respecto al futuro de la industria. Las pelis que se conciben totalmente para visionarse en una gran sala de cine harán que el cine no muera nunca por miles de megas que podamos bajarnos de la red. Y Origen es una de esas en las que la sala es imprescindible para apreciarla en toda su grandiosidad. Así que ya advierto que cualquier comentario contra la peli que venga de alguien que solo la ha visto en casa, al menos por mi parte, no podrá tener mucha credibilidad.

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un experto cazador de los secretos que se encuentran en el subsconciente de las personas. El sistema es inducirlos a dormir y entrar con ellos en un sueño diseñado para cada operación. El sujeto llena con sus secretos un sueño y tú, que estás allí, los ves, fácil. Ya se puede adivinar que estamos en el futuro, cercano pero futuro. Cobb está exiliado de su país, EEUU, y perseguido por la justicia, ya que fue acusado del asesinato de su mujer. Un día recibe el encargo de su vida, si lo consigue podrá volver a EEUU con su familia y todos los cargos contra él serán retirados. Lo acepta, por supuesto, aunque el encarguito es lo más difícil que se ha hecho en el arte de dominar los sueños. Debe entrar en la mente del hijo de un empresario recién fallecido, rival del que hace el encargo, e implantar en ella una idea, la de que no continue el imperio de su padre y se dedique a otra cosa. La implantación de un idea ajena que la persona considere como propia se denomina Origen y es lo más difícil de realizar en este campo, nadie lo ha conseguido hasta ahora. Pero Cobb acepta, está seguro de conseguirlo, por la simple razón de que él ya lo ha conseguido antes una vez.

Hasta aquí la trama futurista y de acción, llegados a este punto nos encontramos con la trama romántica. Dom y su mujer eran muy aficionados a soñar juntos, hasta el punto de que se construyeron un mundo a su medida y vivieron en él soñando nada menos que 50 años. Explico que eso es muy poco en tiempo real ya que en los sueños se supone que se usa toda la capacidad del cerebro y el tiempo pasa muchísimo más rápido. Tanto tiempo estuvieron ahí y tan bien vivían que a Mal le empezó a gustar más esa vida, la cual confundía por momentos con la real, y quería quedarse para siempre. Dom no sabía como convencerla ya de volver y su único recurso fue implantar en su mente una idea, la de que ese mundo no era real y tenían que morir para despertar en el mundo verdadero, donde les esperaban sus dos hijos. Lo consigue, la convence y vuelven, pero... la idea implantada era demasiado poderosa y persiste después de despertar; de tal modo que Mal siguió convencida de que soñaban y todo su afán era suicidarse para volver a la realidad. Siendo imposible arrancarle la idea, al final se suicida, delante de Dom, incapaz de impedirlo, dejando además una nota que lo incrimina como el asesino. Así que Cobb vive permanentemente atormentado con la pena de la pérdida unida a la culpa por implantar la idea.

¿Por qué he explicado tanto la trama? Porque por ahí es posible que venga la polémica, por la interpretación de la misma. Esta es mí interpretación y creo que la de Nolan. En un guión ya de por si muy complicado por las confusiones de sueños dentro de sueños y toda esa parafernalia futurista e imposible, creo que la explicación de la situación del personaje principal no tiene la complicación que algunos le quieren poner. Mal no está en lo cierto, Nolan nos explica una y otra vez que es Dom el que ha introducido aposta la idea nefasta en su cabeza. La razón de la duda es el tótem de Cobb, una peonza que hace girar siempre para comprobar si sueña o no, si no se para es que está en un sueño, con todas las leyes físicas alteradas. En la última escena de la peli, cuando por fin llega con su padre a casa la hace girar. Antes de que pare se va con sus hijos y la deja girando, entonces Nolan termina la peli.

Es un malandro, eso está claro, nos explica todo perfectamente y luego nos deja la peonza girando... lo que pensé realmente es que no importa, que a Dom ya no le importa si está soñando o no. Igual que Segismundo en la maravillosa y preclara La vida es sueño (inspiración segura de Nolan), opina al final que lo mejor es comportarse de la misma forma, si soñamos porque influirá en la vida real cuando despertemos y si no soñamos con más razón todavía, hay que disfrutar el momento, ¿qué más da si la vida es sueño o el sueño es la vida?

Original, apasionante, grandiosa, romántica, emocionante, profunda, entretenidísima, mágica, magníficamente montada, arrebatadora visualmente, contundente, elaborada, complicada pero entendible. Estoy encantada de hablar y hablar de Origen, es un 10 para mí. Ya sé que los dieces no existen, nada puede ser perfecto en una obra de arte, seguro que veré cosas que me gustarán más, pero la subjetividad está permitida y a más de uno por aquí presiento que le pasará lo mismo.

El título original es Inception, cuya traducción literal sería concepción, iniciación o comienzo, las tres palabras, junto con origen, que no está nada mal elegida, dan una idea muy buena de lo que significa el trabajo que realiza el equipo protagonista dentro de la teoría del dominio del sueño de la película. Christopher Nolan crea un mundo chulísimo con la idea simple de soñar. Es un delirio visual ver como crean los arquitectos de sueños el mundo que quieran fuera de las leyes físicas. Es por momentos deliciosamente escheriano cuando juega con escaleras de Penrose o con los conceptos (moldeables) de arriba y abajo. A los amantes de estas cosas ya nos gana casi con ello. Luego coge a Freud y nos enseña sobre el análisis psicoanalítico de los sueños, cosa también bastante interesante. Pero no se conforma con eso y elabora un guión muy sólido, digno del mejor thriller, ya que nos va soltando con cuentagotas la información, que vamos aprendiendo de la mano de la "confesora" de Dom, Ariadne (Ellen Page) al mismo tiempo que ella. Pero no es un thriller al uso, tiene un toque que la hace redonda, es el lado romántico, y señores es terriblemente romántica, en el sentido más diocechesco y trágico que se puedan imaginar. Eso me sorprendió, no se adivinaba en los trailers. Amores atemporales, sacrificio, muerte, redención. En fin un poco de todo para gusto de todos. Quizá por eso no me he encontrado todavía a nadie que no le guste esta película. Vale que no se muera por ella como yo, pero gustar gusta.

Todo está puesto a disposición de unos actores perfectamente elegidos, que están correctos para el tipo de peli, que no tiene exigencias especiales de interpretación. Me encanta DiCaprio, tan guapo como siempre, su físico es especialmente apto para la acción y para el romanticismo a la vez. Marion Cotillard está ideal como dama misteriosa y sombría acosando al protagonista. La descubrí en esta peli y me ha seguido gustando en las siguientes que ha hecho. Y Ellen Page se come la pantalla, tiene un rostro atrayente y le da frescura a un personaje atractivo por su inteligencia.

La banda sonora es de Hans Zimmer, ya asiduo de Nolan, que es estupenda y muy de acción, como requería la peli, pero también con toques intimistas para las zonas oscuras de los sueños de Cobb o de sus proyecciones.

En fin, que la magia del cine, para mi gusto, se presenta aquí en todo su esplendor. Ese cine que nos hace soñar con mundos imposibles y personajes inolvidables. Christopher (Memento) Nolan es un mago que sabe su oficio, sabe como llenar salas y contentar a la crítica en un mismo film. "Chapeau" por él y que siga así muchos años.

Curiosidad: Siempre he pensado que Dom Cobb es un nombre que tiene algún significado oculto que se me escapa, y Mal Cobb también. Puede que esté embargada con la paranoia de la peli, pero es que me parecen dos nombres y un apellido demasiado raros para estar cogidos al azar. Creo ciertamente que hay un juego de palabras o de letras que no consigo descifrar, quizá porque no soy anglosajona. Lo único que se me ocurre es la analogía entre Dom y doom (perdición, castigo). Espero que nadie haya introducido esta fatal idea de la que no me puedo librar en mi cabeza. ¿Ya se han fabricado un tótem? No se sabe nunca.

-Cyllan-

3 pictogramas 3

2011-07-05T22:28:00.000+02:00

Bueno, aquí Cyllan, la encargada de hacer el post de la maravillosa Origen. Como estoy tardando porque soy una tía plasta y aprovechando que media plantilla está de vacas dejándome la master al mando (esta me mata a la vuelta) voy a poner un acertijo cinéfilo y así entretenemos al personal mientras. Es deformación por Infinito, ya me lo perdonarán, no he podido resistirme a la tentación.

¿Qué tres películas representan estos tres pictogramas?

Tú Seldon abstente de dar las soluciones ¿eh? (lo he sacado de él).

RESERVOIR DOGS de Quentin Tarantino

2011-06-15T11:31:00.003+02:00

Por fin he visto "Reservoir dogs", la tenía pendiente desde hace años, bastantes, desde que vi "Pulp fiction" allá por el 94 película que me encantó y que me abrió las puertas al mundo Tarantiniano.

Luego llegaron otras: "Kill Bill", "Death proof", "Sin city", "Malditos bastardos" e incluso el capítulo magistral de CSI Las Vegas "Peligro sepulcral" del que creo que Rodrigo Cortés no aprendió nada con su timo "Buried".

Que Rodrigo Cortés haya querido copiar a Tarantino...bueno, se le puede perdonar, por aquello de que el propio Tarantino también copió e hizo suya en este caso la película "City on fire" (1987) de Rigo Lam.

Dicho esto a modo de introducción creo que no soy la persona más adecuada para hacer la primera entrada a esta película por la razón de que (y es culpa mía) creo que "Reservoir dogs" ha llegado para mí a destiempo. Si hubiera visto la película en el 92 le habría puesto un 10 sin dudarlo, pero precisamente por no haberla visto cuando debía, hoy no puedo ser tan objetiva y darle tanta nota después de haber visto las que de verdad son para mí sus obras maestras.

Me he encontrado con una película entretenida, y que me ha gustado pero ni tan poco como para ponerla mal (eso nunca) ni tanto como para poder hacer una entrada alabándola en exceso. (Por eso animo a quien la ame o la odie a que le haga una entrada más contundente que la mía).

Me ha encantado el diálogo del principio, en la cafetería en el que los hombres de la banda discuten acerca del significado de la canción "Like a virgin" de Madonna, ¿a alguien más que a Tarantino se le podría ocurrir un diálogo así?...sólo por eso, para mí, ya merece la pena. Eso sí, si no eres fan de Tarantino seguramente te parecerá algo absurdo e incluso soez que no sabrás muy bien qué pinta ahí, pero para los fans de Quentin un diálogo así vale más que mil imágenes.

En el resto de la película, la verdad es que quitando este diálogo del principio y quizás otro más, he echado en falta más verborrea típica tarantiniana mordaz y divertida, supongo que el ser la primera película es lo que tiene, que no puedo dejar de comparar con el resto de películas suyas, lo siento.

Las escenas "sangrientas", geniales como siempre. Sangre bien roja, a borbotones...¿cuantos litros tiene en el cuerpo el señor naranja?.....creo que después de perder por lo menos 15 litros es capaz de hablar, de disparar e incluso de acertar! jajaja...¿Alguien da más?.

La puesta en escena es sencilla, una especie de almacén o de garaje y ahí sucede prácticamente todo, cuando una película no te aburre sin cambiar de escenario es que es buena.

Destacaría entre los actores a Harvey Keitel, y sobretodo a mi favorito en esta película: Steve Buscemi, desde ahora mi querido señor rosa con el que conecté desde el principio de la película también en la cafetería cuando da sus razones para no dejar propina, otro de los diálogos geniales, que (y esto ya una cuestión personal) suscribo palabra a palabra.

La banda sonora también juega un papel importante en "Reservoir dogs" con canciones como "Little green bag", "Hooked on a feeling" o "Stuck in the middle with you" entre otras, que son bazas seguras.

Así pues, queriendo darle en el fondo más nota, dejo hoy a "Reservoir dogs" con un digno 6,5.

Espero que Quentin sepa perdonarme por no haber visto su ópera prima en su momento y sobretodo por no saber valorarla hoy como se merece.

-Pulgacroft-

AMELIE de Jean-Pierre Jeunet

2011-05-30T09:00:00.005+02:00

Amelie Poulain es una chica que creció bastante sola, con poco afecto familiar y sin amigos, y que, en su soledad, decidió afrontar el mundo desde su imaginación y sus sueños, concibiendo su realidad como un mundo externo ante el que no tiene ninguna opción de rebelarse. Por eso, Amelie lleva una vida en la que sus sueños tienen casi más peso que sus vivencias.
Un buen día, Amelie encuentra una vieja caja de recuerdos infantiles, y decide localizar a su propietario para devolvérsela. Y, emocionada ante la satisfacción que provoca en éste, se lanza a ayudar al prójimo como forma de realizarse en la vida...

Amelie, la película, es un cuento muy bonito y muy bien contado, que además está perfectamente acompañado por una realización tan efectista como efectiva.
Un cuento con final feliz pero que, como cualquier buen cuento, tiene un trasfondo algo oscuro. Pues trata esencialmente de la soledad, analizándola desde diferentes situaciones y contemplándola en diferentes posibilidades: obligadas, sufridas por abandono, llegadas por pérdidas o, en buena medida, escogidas.

Cada personaje de la película tiene sus peculiaridades y unas personalidades más o menos características y peculiares, pero en todo momento se busca que reflejen alguna idea sobre ese concepto de soledad.
Hay quién sin ningún motivo se siente superior al resto, quedándose sólo en sus alturas, y quién está menos dotado y sufre en soledad los abusos de los anteriores. Otros están solos por algún tipo de desamor, o al menos combinan con ello su falta de compañía: son personajes despechados o en ocasiones simplemente deprimidos. También los hay que están solos en su proyecto personal, por el paso de los años, por una vocación artística o por ser buscadores de quimeras. Y los que están solos por sus taras mentales, angustias vitales en forma de hipocondrías y celos, o físicas, que directamente les impiden salir para relacionarse con el mundo.

Ahora bien, dado que la protagonista es la señorita Poulain, son ella y sus motivaciones las que centran la mayor atención de la película.
Y en su caso la soledad es más terrible, pues en buena medida se encuentra sola por voluntad propia, tanto ante el miedo a no ser aceptada por el mundo que la rodea como ante la más que probable posibilidad de que la gente a su alrededor no pueda estar a la altura de sus sueños.
Porque Amelie Poulain es un personaje inmaduro e inseguro, que se nutre de ensoñaciones para rellenar los huecos que quedan en su vida, y que se perjudica a si misma al dejar de cubrir sus necesidades reales con parte de esas ensoñaciones. Y si bien en cierta forma el destino ha jugado en su contra, lo cierto es que ella dispone de herramientas más que suficientes para luchar contra él.

Pero como la película es una comedia romántica que cuenta un cuento destinado a sacar la sonrisa de la gente, no todo puede centrarse en esa soledad y esos defectos de carácter.
Amelie ve como algunas situaciones de su vida y algunas de las personas que entran en ella la empujan a vivir, y no puede dejar de dejarse llevar por esa corriente.
Porque al final, uno ha de arriesgarse a sufrir viviendo si quiere ser verdaderamente feliz. Y porque en realidad, nadie puede huir eternamente de la vida.

Poco a poco va transformándose de un personaje que observa a otro que actúa.
Primero asumiendo un destino, hacer feliz a los demás, aunque de forma anónima, sin atreverse a mostrarse como la benefactora que en realidad es.
Y luego, por fin, después de muchas dudas y varios intentos, y tras atreverse a vencer sus miedos (empujada de nuevo por alguno de sus amigos), es capaz de ayudarse a si misma y encontrar aquello que necesitaba para ser feliz.

En cuanto al fondo de la película, hay poco más que decir, así que pasemos a los aspectos formales más llamativos.

Lo primero, se nos cuenta la historia a través de un narrador omnisciente que acentúa la sensación de estar ante alguna suerte de fábula, y que resulta muy efectivo para realzar cierta sensación de magia que está siempre presente en la concatenación de los hechos mostrados.

Por otro lado, la fotografía de la película está muy basada en tonos ocres, salpicado de vez en cuando por objetos de color azul brillante que resultan muy llamativos (de hecho, podría pensarse que hay algún sentido oculto detrás de esos objetos marcadamente azules, pero no he sido capaz de encontrárselo).
Es una fotografía en un color bastante oxidado que se aferra mucho a la tierra. Si no fuera una película eminentemente cuidadana, casi parecería escogida para dar una sensación de realidad y crudeza. Combina muy bien con el choque entre sueños y realidad que propone la película. Y también con el resto de la escenografía escogida, que tiende a dar un barniz envejecido a todo el conjunto pese a estar la película ambientada en la actualidad.
En cualquier caso, tanto esa fotografía como la escenografía son características bastante habituales del cine de Jean-Jacques Jeunet, que también se caracteriza por el tono fantástico de sus historias, e igual son más un mero acompañamiento "por defecto" que una búsqueda de un condicionamiento especial de la historia.

Los actores dan muy bien con los diferentes papeles con los que les toca lidiar, empezando por la propia Audrey Tautou, todo un descubrimiento en aquel momento para los aficionados que no seguimos demasiado el cine francés. Pero casi que me quedo con Serge Merlin, en el estupendo papel de monsieur Dufayel.

Creo que se nota que en algunos casos son actores típicos de las películas de Jeunet, y se deja ver el gusto por el proyecto.

Por último, otra de las características más llamativas de la película es su música, que casi parece un folk parisino de lo que huele a esa ciudad. Acompaña muy bien el desarrollo de la historia, y resulta muy evocadora, ayudando a generar la sensación de fantasía que caracteriza a la película.

Personalmente, Amelie me parece una muy buena película, muy entretenida. Puede que resulte demasiado "dulce" y benevolente, pues incluso viendo tanto peso del tema de la soledad en ella, procura no hacerse nada dura. Pero tampoco engaña; es lo que pretende, y muchas veces eso es precisamente lo que nos apetece ver.
Sin que esté entre mis películas favoritas, sin duda la recomendaría a cualquiera, y creo que alcanza sin problemas el 8.

Imágenes extraídas de Filmaffinity, www.peliculas.info y lelapinamoreux.wordpress.com

-OLIGOQUETO-

ABRE LOS OJOS de Alejandro Amenábar

2011-05-17T20:12:00.005+02:00

He vuelto a ver “Abre los ojos” que tenía calificada con un 8 en Filmafinitty y hoy le he subido un punto, se queda con un merecidísimo sobresaliente.

Hoy me ha parecido una película perfecta. Hace años cuando la vi me quedé con la sensación de una buena película pero que no dejaba de ser una paranoia fantástica. Hoy me ha parecido más real, lógica y posible que nunca.

“Abre los ojos” es un juego de cajas chinas, la realidad dentro de la ficción o la ficción dentro de la realidad, distintos niveles de locura o de cordura. Desde el principio ya nos presenta esa dualidad, en el mismo título “Abre los ojos” está formado por letras dobles unas dentro de otras. Cuando César (el personaje principal interpretado por Eduardo Noriega) recorre Madrid con su coche al principio de la película ve como un grupo está filmando una película, el cine dentro del cine, la ficción dentro de la ficción.

Sofía la chica de la que César está enamorado, estudia interpretación y a la vez trabaja en la calle de mimo, el personaje real pretende ser alguien irreal.

Amenábar nos presenta durante toda la película la dualidad de la persona: lo real-lo soñado, la belleza-la fealdad, lo que somos-lo que queremos ser...

Las cajas chinas se presentan desde el mismo principio:

-abre los ojos: César despierta en su habitación y sale a la calle, la calle está desierta (ver la Gran Vía de Madrid absolutamente vacía es una de las escenas más aterradoras que he visto en el cine), de pronto despierta, era un sueño.

-El final: César se lanza al vacío desde el edificio y de pronto despierta, era un sueño.Abre los ojos.

Entre estos dos sueños, lo real y lo soñado se van alternando, pero no nunca sabemos si lo soñado es lo real o lo real es lo soñado, ahí está el quiz de la historia. El bucle perfecto.

Me han gustado mucho también los actores.En mi opinión Eduardo Noriega está muy bien en sus dos papeles “bello-bestia”, Penélope Cruz, la chica dulce de la que se enamoran los dos amigos (Fele Martínez ya me había gustado en “Tesis”) y Najwa Nimri para mí fantástica, esa chica misteriosa, sensual y aterradora a la vez que puede ser tu mejor sueño o convertirse en tu peor pesadilla. Chete Lera, ese psiquiatra que resulta ser tan víctima como su paciente... realmente me hizo sentir mucha pena por él, muy creíble.

“Abre los ojos” me ha parecido perfecta en su planteamiento y resolución, al margen de que hoy en día sea o no posible la tecnología futurista que nos presenta, toda la trama se atiene a las reglas establecidas y no se tambalea en ningún momento. Nos presenta una historia y la resuelve según las propias normas de la historia, en ningún momento “se saca nada de la manga” que no hayamos visto antes y por eso me ha gustado. No juega con nosotros en ese sentido, no esconde nada de lo que no nos hubiera dado pistas antes. Y esto es algo que valoro mucho en las películas que veo. No me gusta cuando un final se inventa sin más, cuando el director nos hace creer una cosa y luego resulta ser otra de la que nos era imposible saber durante la trama. Aquí no, aquí Amenábar nos va dando información que luego hila perfectamente en un final que sorprende pero que resulta lógico.

Amenábar nos plantea también cuestiones interesantes al margen del puro entretenimiento de la película: ¿Nos aceptamos a nosotros mismos tal como somos cuando descubrimos que no somos como queremos ser?, ¿qué pasa cuando no logramos aceptarnos?, ¿está bien intentar cambiar aquello que nos ha tocado vivir al precio que sea?, ¿preferiríamos vivir eternamente un sueño a nuestro gusto o preferimos estar en la realidad aunque ésta nos parezca una pesadilla?...

¡Cuantas veces preferimos vivir una mentira a tener que soportar la verdad!, ¡cuantas veces nos ponemos la máscara ante los demás para ocultar lo que realmente somos!

Vivimos en una sociedad en la que todo es manipulable y alcanzable, donde no queremos que quepa lo feo, lo desagradable, el dolor, el sufrimiento, donde nos creemos dioses y sólo somos...hombres.

¡ABRE LOS OJOS!

-Pulgacroft-

César lo tiene todo, una novia genial que le quiere, amigos, es rico, joven y guapo. La vida le va bien. Hasta que un fatal accidente, provocado por una mala decisión, en el que queda desfigurado lo trunca todo. De repente la vida es insoportable. Tanto que es preferible la muerte, o al menos un sucedáneo de ella en espera de un mundo donde la ciencia médica le sea de más utilidad que la de ahora. Mientras espera puede soñar sin saber que sueña, como un Segismundo moderno, y no sólo eso, puede diseñar un sueño a medida. Así que todo va bien de nuevo, es feliz en su nueva vida virtual. Pero ¿está preparado para la felicidad absoluta y perfecta?, parece que no, su cabeza no puede asimilar que todo vaya sobre ruedas, cree que debe haber algún fallo, que es demasiado bueno para ser verdad. Entonces realmente comienzan los fallos en el programa inducido de sueño, él mismo lo provoca con su falta de fe. Las cosas cada vez se ponen más feas hasta un desenlace abierto a nuestras interpretaciones.

¿Estamos preparados los humanos para la felicidad constante?, Amenábar cree que no y diseñó una historia originalísima para demostrarnos que en nuestra vida deben alternarse los sinsabores con las alegrías, y si no es así, nosotros mismos nos ocuparemos de cambiarlo, aún sin darnos cuenta conscientemente. Desde que disfruté esta maravilla de película uso la expresión “ser un César” como sinónimo de no disfrutar un buen momento parándose a pensar que es demasiado bueno para uno o para ser real.

El director hizo todo perfecto menos una cosa que hacía mal en sus inicios, elegir a los actores. Noriega, Penélope y Fele son tan tan limitados que estropean la peli por momentos. Por eso sólo es un 8.

-Cyllan-

DOGVILLE de Lars Von Trier

2011-05-03T21:44:00.002+02:00

Diré ya de mano que a Dogville le he puesto un 9 sobre 10. Me he reconcilado (por lo menos de momento con Lars Von Trier) después de haberme quedado con un mal sabor de boca al haber visto "Anticristo".

Lo primero que destaca al comenzar a ver la película es la puesta en escena, una película sin apenas decorado y sin nigún exterior. Hay tan poco decorado que el pequeñísino pueblo de Dogville se representa pintado con tiza en el suelo. Las no casas no tienen ni puertas ni casi ventanas, todo es transparente y los pocos objetos que hay son sólo los imprescindibles. La voz en off del narrador tiene un tono de fábula o cuento que se hace imprescindible para ir narrando los hechos. Reconozco que en los primeros minutos me costó un poco adaptarme a esta curiosa puesta en escena tan austera (o más) que una obra de teatro. Pero al cabo de poco tiempo estaba tan metida en la historia que ya no echaba en falta ningún atrezzo. Primer acierto de la película.

Von Trier nos presenta la cara menos amable de la condición humana en Dogville tan transparente como las casas del pueblo. Esa condición humana poco amable y miserable con la que estoy totalmente de acuerdo. Dogville no representa sólo a un pueblo americano en los años más duros de la gran depresión, ni siquiera representa sólo a la América más profunda, Dogville es el Mundo, es la sociedad en la que vivían entonces y en la que vivimos ahora y me temo que es la sociedad en la que el Ser Humano vivirá siempre.

He reconocido en esta película alusiones bíblicas: la dulce Grace, impecablemente interpretada por Nicole Kidman (después de ver esta película ha subido unos cuantos puestos en mi lista particular de actrices) llega al pueblo huyendo de sus perseguidores y es acogida como un Jesús en el día de Ramos. Todos muestran su mejor cara para ayudarla y acogerla en su comunidad, pero poco a poco esa amabilidad altruista se va transformando en puro egoísmo, conveniencia e incluso rechazo cuando Grace con sus actos puros les va mostrando sus imperfecciones y defectos.Poco a poco van mostrando esa doble moral (tan americana). Queriendo "recompensar" su acogida en el pueblo empieza a crear "necesidades que no existen", necesidades que más tarde se convierten en imprescindibles y que los habitantes del pueblo se creen en el derecho de ir exigiendo cada vez más duramente. ¿Habrá algo más humano (en el peor de los sentidos) que aquello de dar la mano y coger el brazo?...

El personaje de Tom Edison, interpretado por un estupendo Paul Bettany,(decir que el elenco de actores tampoco tiene desperdicio) muestra tal cantidad de matices que se pasa al ver la película desde a amarlo en un principio hasta el aborrecimiento más absoluto al final. Amable, amigable, compasivo,pretencioso, altivo, pedante incluso, pero lo que es peor: cobarde y traidor. Un judas traidor de Grace y un Pilatos cobarde con su comunidad, capaz de "lavarse las manos" y de ver (que no mirar) las atrocidades que sus convecinos hacen a la mujer que supuestamente ama. ¿Quien no teme las represalias del mundo cuando de escoger se trata entre lo justo y lo establecido?...la condición humana...tal cual.

La envidia es también otro factor mportante en Dogville, varios de los habitantes del pueblo la sienten y sucumben a ella: el marido de la maestra (que no se siente querido como el cree merecer por la propia Grace y la que llega a violar repetidamente), el transportista (que también fuerza a Grace en la furgoneta), el propio Tom que en una escena se ve en el derecho de poder exigir a Grace que mantenga relacines sexuales con él "como los demás" (que lo hacen chantajenado a Grace a cambio de no delatarla a sus perseguidores...).

¿Hasta qué punto la bondad y el altruismo se mantienen cuando el peligro para el pueblo aumenta?, ¿no cae el ser humano facilmente en empezar a cobrar una contraprestación cada vez mayor a cambio de esa bondad (contraprestación directamente proporcional al peligro que corre)?¿y la confianza en las personas...dónde se queda cuando eres tú mismo el que corre peligro?...nuevamente la condición humana.

La parte final de la película pone el colofón perfecto a la historia. Esta parte me pareció impecable, inmejorable. La conversación en el coche entre Grace y su padre (el ganster) no tiene desperdicio. Veo aquí nuevamente alguna alegoría bíblica (decidme si quereis que se me fue la olla): nuevamente Grace impartiendo justicia divina al más muro estilo del antiguo testamento. El pueblo ha tenido oportunidades (varias) de redimirse y no lo hizo es el momento del castigo.Grace es la figura de ese Dios bíblico (curioso que sea en una figura femenina) vengativo y justiciero del "ojo por ojo"; también veo reflejado ese Jesucristo compasivo pero que cae (por su condición humana) en la tentación de la venganza (¿habrá algo más humano que querer vengarse de quien te agrede?...).

En un momento de la conversación, Grace le dice a su padre "Si hay pueblo con el que el mundo sea mejor sin él, es éste" y así, dotada del poder que el padre le otorga, el castigo cae sobre el pueblo como aquellas plagas bíblicas sobre Egipto en el que ni los niños se salvaron, en este caso los hijos de la maestra sobreprotectora que tan mezquinamente se había portado con Grace.

Finalmente la propia Grace mata a Tom con ese frase contundente y rotunda "Hay cosas que debe hacer uno mismo", sin vacilación. (Reconozco que he disfrutado mucho con este final...)

Cabrían aquí dos puntos de vista: ¿justicia y cuenta saldada? o ¿nuevamente la condición miserable del Ser Humano vengándose y generando violencia?...(personalmente me decanto por el primero).

Curioso, que el único que obtiene la gracia (¿divina?) de Grace es el perro, el único que merece el perdón...Sí, porque con la frase de que el mundo será mejor sin ese pueblo también puede deducirse que el Mundo estaría mejor sin el Ser Humano, sólo los animales y la Naturaleza merecen permanecer en él.

Tengo una percepción bastante pesimista del Ser humano, lo reconozco.

Los créditos de la película están al final con la canción del gran Bowie "Young americans" cuya letra dice en una parte: "¿no estás orgulloso de seguir teniendo dos caras...?", con imágenes de fondo mostrando la gran miseria humana : ¡ Genial !

-PULGACROFT-

Joder Pulga tu entrada es buenísima, me parece que no añadiré nada porque si tengo las mismas impresiones punto por punto mejor no nos repetimos ¿no?. Peliculón. Una de las cintas de mi vida, así de rotundo lo escribo. La venganza es un plato que se sirve bien frío con Dogville. Apasionante, original a más no poder, teatral y absorvente de principio a fin, con tiza, sin muebles y como sea. Recomendadísima, y también, aunque un poco menos por el cambio de actriz, su secuela Manderlay. Espero que se opine porque estoy deseando recordarla en vuestros comentarios.

-CYLLAN-

2001.UNA ODISEA DEL ESPACIO de Stanley Kubrick

2011-04-13T11:38:00.002+02:00

Coincidiendo precisamente con el 50 aniversario desde que Yuri Gagarin hiciera el primer viaje del hombre al espacio allá por 1961, comenzamos este blog opinando sobre "2001. Una odisea del espacio", película del director Stanley Kubrick en la que imaginó un 2001 muy distinto al que tuvimos y considerada por muchos una obra maestra del cine y del género de ciencia ficción.

No voy a hacer un corta y pega del argumento de la película porque este blog tratará de polemizar un poco sobre películas ya vistas y seguramente de sobra conocidas (me imagino que unas más que otras), así pues voy al grano directamente sobre lo que a mí me pareció cuando la vi recientemente.

La vi con cierto temor, por la fama de que "2001" no hay quien la entienda y efectivamente: no se entiende.

Para ir por partes diré los puntos que sí me gustaron y luego los que no.

A favor: toda la parte técnica de la película, es innegable. Estamos hablando de 1968, y sin embargo Stanley Kubrick nos presenta tanto una Espacio como una nave espacial totalmente creíbles. Si hoy la hubieran hecho no creo que le tuvieran que añadir ningún efecto más o por lo menos no le haría ninguna falta.

La música elegida para la escena de la primera parte de la película "el amanecer del hombre", el "Así habló Zarathustra" me parece perfecta y genial, es de esas escenas que evidentemente se nos quedan en la retina para siempre.

"El danubio azul" para la maniobra de aproximación de las naves sin embargo no me "pega tanto", me parece un poco fuera de lugar, también es verdad que esa música no es de mis favoritas.

El silencio, que acompaña a buena parte de la película me parece un acierto, nos hace meternos y sentir ese espacio vació, enorme, infinito...

Ahora bien, dicho lo que a mí me pareció correcto de la película, voy con los contras:

Una película no se sustenta sólo de parte técnica, una película debe tener un argumento, una historia que se nos cuente y que se entienda. Aquello de trama, nudo y desenlace está hecho para algo y en esta película empieza habiendo trama y quizás nudo pero no hay un desenlace sencillamente porque yo creo que ni el director mismo sabía lo que quería contar.

Kubrick nos engaña, nos hace creer que el monolito que encuentran los monos y el que aparece luego en la luna nos va a llevar a descubrir algo importante, pero nunca nos los cuenta, no se sabe lo que son, qué pintan ahí ni por qué los desubren...durante toda la película se supone que la nave va hacia Marte a descubrir el misterio del monolito pero resulta que el misterio queda por desvelar y en lugar de eso de repente se nos presenta a un señor viejo que es el mismo astronauta de la nave en una habitación así sin más de repente...el que lo haya entendido que lo explique, yo no lo entendí y me puse de bastante mal humor.

"La rebelión de la máquina contra el hombre" dicen algunos para justificar la obra maestra...bien, la rebelión no va má allá de 15 minutos de película, HALL es un superordenador con inteligencia similar a la humana, descubre que lo quieren desunchufar y aprovechando que el protagonista sale de la nave luego no le abre la puerta pretendiendo que muera fuera (intento fallido por otro lado), fin de la historia...

En fin, considero a "2001" como un videoclip de 2 horas y 20 minutos, si me lo hubieran vendido así todavía hubiera tenido un pase, como película me ha defraudado. si para entenderla tengo qe leerme la novela, una de dos, o la película es mala o está mal dirigida (supongo que muchos me cortarían la cabeza por decir esto jeje), así pues puntuo con un suspenso a "2001" y la califico de engañosa e ininteligible.

-PULGACROFT-

Kubrick parece capaz de lo mejor y lo peor. Con lo que llega a transmitir con otras obras en esta se quedó muy corto. Si necesito el libro (de instrucciones) para entender el argumento, éste es deficiente. Se hiciera aposta o no es lo de menos, el caso es que son necesarias más explicaciones a toda esa sucesión de imágenes impresionantes. La física me encanta como está tratada porque es muy realista, con todo eso de la asusencia de ruido en el espacio, etc. Pero no es suficiente. La interpretación brilla por su ausencia porque el minimalismo de la trama la hace innecesaria, salvo para los monos claro, que están fenomenal. La música, siendo perfecta, no le da ningún mérito añadido, puesto que no es original. En fin, una peli a la que no le veo el alma. Voy a leer el libro próximamente pero evidentemente, me guste o no, entienda todo el misterio por fin o no lo entienda, no debería variar mi opinión de una peli que debe funcionar por si misma. Es un 5.
-CYLLAN-

Totalmente de acuerdo contigo CYLLAN, una película que necesita un libro para poder entenderla no es una buena película, es al contrario, quizás el bueno sea el libro y en todo caso la película le serviría de apoyo con las imágenes. Por otro lado aunque la música no es original por lo menos sí que el "Así habló Zarathustra" me pareció todo un acierto aunque también se lo podía haber currado con una música original , es verdad.
Si lees el libro (a mí le película me quitó hasta las ganas...) no dejes de compartir la explicación jeje...
-PULGACROFT-

SUGERENCIA PELÍCULA

2011-04-07T14:08:00.000+02:00

Esta es la primera entrada del blog y no sé muy bien hasta dónde vamos a llegar pero bueno, allá vamos..
Podemos poner las pelis sugeridas en una encuesta en el lateral y dar un plazo de votación, la que salga es la que se comenta...
Voy a ponerlo a ver cómo queda...
Se admite todo tipo de sugerencias de todo el mundo.